这不仅是一次常规的大师回顾展，而且是一场以当代视角重构经典的新观看。作为浦东美术馆2025年末收官国际大展——“非常毕加索：保罗·史密斯的新视角”汇聚了80件来自巴黎毕加索博物馆的馆藏真迹，为2026年初的申城艺展带来一股毕加索艺术旋风。
作为国际巡展的首站、亦是中国唯一站，本次展览由浦东美术馆与巴黎毕加索博物馆联合主办，艺术总监保罗·史密斯主导的沉浸式展陈 x 跨界视野，以当代视角呈现其珍贵馆藏中跨越艺术家整个职业生涯的经典作品，构成国内迄今最完整、创作类型覆盖最全面的毕加索艺术巡礼，为中国观众带来一场空前绝后的艺术盛宴。
巴黎毕加索博物馆坐落于历史层次深厚的玛黑区核心地带，而浦东美术馆是立足于上海小陆家嘴核心区域的现代都市地标。二者之间的合作不仅是地理维度的连接，更是传统与当代、历史风貌与城市未来之间的深度呼应，恰如毕加索与保罗·史密斯跨越艺术门类的交汇，都在不同文化语境中迸发出新的火花。
展览为何名为“非常”？浦东美术馆馆长李旻坤解释，“首先，‘非常’指的是‘非常多’，这次展览呈现80余件毕加索的真迹。更深的意义，在于这是一个‘非常规’的毕加索展览”。所谓“非常规”，正是保罗·史密斯带来的、与传统美术展迥异的时尚视觉语言与空间叙事。至于为何将首站落户上海，巴黎毕加索博物馆主席塞西尔·德布雷表示，似乎是自然而然的选择：“上海是重要的国际大都市，我们原本就十分期待与上海的合作。”策展人乔安·斯奈什则表示：“上海在现代化进程、视觉艺术等方面都处于领先地位。呈现‘全新视角’下的毕加索，上海是很好的舞台。”
当设计师介入艺术史
上图：展览海报，非常毕加索：保罗·史密斯的新视角。
现代艺术的创始人之一、立体主义的先驱、超现实主义的核心人物 巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881—1973）早已超越艺术家这一身份，成为20世纪文化与视觉革命的象征。作为现代艺术史上真正意义上的“时代分水岭”，他不断吸收印象派、象征主义、新古典主义、超现实主义等多重语言，并以持续的大胆试验开辟出前所未有的艺术路径，其作品至今仍不断启发现代观众对图像、情绪与现实的重新理解。
此次大展以难得一见的规模囊括艺术家一生中所有标志性创作阶段：从蓝色时期的忧郁凝视、粉色时期的温柔叙事，到立体主义的革命性重构；从新古典主义的形体回归、超现实主义时期的心理张力，到反战创作的情绪表达、对西方艺术大师的重新对话，再至综合媒介实验与晚年奔放自由的艺术语言等，全面再现了这位20世纪最具创造力与影响力的天才巨匠一生的风格变奏。80件展品涵盖油画、炭笔画、铅笔画、雕塑、水彩、浮雕画、版画、陶瓷等十余种创作材料，带领观众与20世纪最具颠覆性的艺术革命遗产展开一场深度对话。
而作为展览艺术总监的保罗·史密斯（Sir Paul Smith），是当代时尚界的标志性人物，以跨越时尚、艺术、工业设计与生活方式的广阔视野，被视为当代创意文化的重要推动力量。他对色彩、材料与视觉语言的敏锐洞察，使其成为能够为毕加索提供全新解读路径的理想合作者。此次策展，他以其跨界视野与敏锐的视觉语言为展览注入当代语境下的全新观看方式。
据介绍，本次展览溯源自巴黎毕加索博物馆于2023年举办的“纪念毕加索：藏品新释”，彼时正值艺术家逝世五十周年。巴黎毕加索博物馆希望寻找一位“非博物馆领域”的合作者。“我们希望这位合作者能带来一个全新的视角，”乔安·斯奈什回忆，“保罗·史密斯对色彩、图案和材料极度敏感，他既不是历史学者，也非艺术史家，却是一位真正的创意领军人物。”于是，双方一拍即合。
当谈到如何将毕加索的艺术元素与自己的理念结合时，保罗·史密斯坦言：“起初，我并不知道具体该怎么做。我的许多选择，似乎是灵光一现后的‘水到渠成’吧。”最终，保罗·史密斯选择从熟悉的色彩、条纹、图案出发，通过时尚设计的眼光重新观看毕加索，为毕加索的作品注入当代气息，从而营造轻盈、富有趣味的氛围。
如今，这一异彩纷呈的艺术大展登陆上海，馆方共同精选80件作品，在保留展览核心精神的基础上，根据浦东美术馆开放、独特的空间重新定制了不一样的展陈设计。保罗·史密斯提出“当代视角重构毕加索艺术叙事”，以“重新观看”为核心命题，因此，此次展览不只是回顾，更是当代解读，以设计师视角介入艺术史叙事。
为此，保罗·史密斯摒弃了近几十年来盛行的“白盒子”展示模式，以色彩、图案、条纹与物件为线索构建沉浸式展陈结构，使作品与空间产生富有节奏的呼应关系，引领观众“走进毕加索”，成为其艺术宇宙的同行者。这些设计不仅融合了两位艺术家的视觉元素，更让观展体验本身成为一场沉浸式、充满节奏与情感的视觉旅程。
通过作品的选择与解读，保罗·史密斯与毕加索完成了一次跨时空的跨界共振；当展墙成为对话现场，现场的视觉感官无疑是保罗·史密斯与毕加索的一次视觉交锋。
上图：毕加索早已超越艺术家这一身份，成为20世纪文化与视觉革命的象征。
毕加索艺术的“再生长”
在此次展览中，毕加索的作品不再被固定在单一语境中，而是在浦东美术馆开放的现代空间里获得新鲜、具时代感的呈现方式，使这位世纪巨匠的思想与创造力在今日依旧保持锐度。
步入展厅，首先映入眼帘的是悬挂在展墙的牛头，这件由自行车鞍座和车把拼合而成的雕塑，创作于1942年，是《牛头》首次来华展出，为展览开启视觉与意义的双重入口。可以说，它是毕加索“现成物”创作中最广为人知的代表作。与之相邻的，是几乎占据整面展墙的自行车座与车把，“保罗·史密斯用一种非常幽默的方式，与毕加索的《牛头》形成呼应。”乔安·斯奈什说。保罗·史密斯将这种跨媒材的幽默与直觉延伸至展览现场，让观众从“物件之美”直接进入艺术家的思维体系。此外，《斗牛：斗牛士之死》（1933）则体现毕加索对于斗牛的热情。画面以浓郁的色彩与定格般的动态表现关键情节，形成具有戏剧张力的画面结构。20世纪二三十年代，他围绕斗牛创作了大量绘画、素描与版画，显示出艺术家对该题材的持续兴趣。
上图：保罗·史密斯用一种非常幽默的方式，与毕加索的《牛头》形成呼应。
穿过贴满毕加索涂鸦版《VOGUE》海报的走廊，便步入首个呈深蓝色的展厅。1901年秋，好友卡洛斯·卡萨赫玛斯去世几个月后，毕加索笔调逐渐浸入一片凄清忧郁的蓝色。诗人纪尧姆·阿波利奈尔形容，“整整一年，毕加索沉溺于这可怜、滞重、如坠深渊般的蓝色绘画中”。此次展出的《男人肖像》就诞生于这一时期，展现毕加索早期创作的精神基调。画中人物独坐于室内，被冷峻的蓝色调所包裹，毕加索用画笔描绘了一个面无表情、望向虚空的男人，他坐在咖啡馆吧台一侧，背后的墙壁上，乡村风景画露出一角。毕加索将画中人的身份定义为“街上常看到的疯子”。在这一时期，毕加索作品画面从叙事转向对人物内心情绪的凝视，作品多以边缘群体为主题，往往被视为人类苦难的象征。
上图：贴满毕加索涂鸦版《VOGUE》海报的走廊
随之而来的是粉色时期与早期立体主义。因此，在第二展厅，一改之前的色彩与感觉，明丽的粉红色瞬间点亮空间。1906年秋起，毕加索开始新的探索，他尝试简化形体与空间，并聚焦女性身体，多用粉色与赭色，以略显粗犷的手法为女性人物注入一丝中性气质。作品《女人或水手胸像》以正面示人，并采用对称构图，轮廓线条清晰可见。空间层次的简化、形体的紧绷感，为这幅画作增添雕塑般的质感。作品粗粝的造型与原始能量源于毕加索对原住民文化、非洲与大洋洲艺术的兴趣，他在大量素描、速写与构图实验中逐步确立新的体积与形体逻辑，为《阿维尼翁的少女》的创作奠定了视觉基础。
作为展览主视觉之一的《阅读》（1932）展现了毕加索在玛丽–特蕾兹·瓦尔特时期的肖像语言：圆润的曲线与流动的色彩塑造出柔和却结构清晰的形象。保罗·史密斯从画中提取“条纹”元素，将其延伸至展厅墙面，使观众在空间中获得更直接的视觉体验。立体主义时期的《圣心大教堂》（1909—1910）则体现“立体主义”对现实形体的重新组织，使具体建筑在画面中介于写实与抽象之间，为观众带来这一里程碑式艺术变革的关键面貌。
在“童年”展厅，作品本身成为展陈设计的一部分，保罗·史密斯形容，这里是一处“儿童房”。《与玩具卡车玩耍的孩子》面前，展墙铺开大片的深绿，与画中的绿色彼此对话。《装扮成喜剧丑角的保罗》则置身于蓝黄交错的菱形背景之中。这些作品呈现了毕加索创作中柔和而富于象征的一面。毕加索一直将童年视为其创作中的核心，儿童在他的创作中既是描绘对象，也是引发形式革新的重要源泉。他借由儿童视角的天真与自由，从中提取新的线条与形体方式，寻求摆脱传统绘画规范的可能，“像孩子一样画画”成为贯穿他艺术生涯的内在愿望。
上图：展柜中陈列的纸板雕塑《草地上的午餐:撑肘而坐的男子》，以轻松即兴的拼贴手法，重构了画中的经典人物。
走进“草地上的午餐”展厅，观众脚下的触感从坚硬的地板过渡为柔软的仿真草皮。这是保罗·史密斯为营造沉浸式体验埋下的一个巧思。展厅名称源于毕加索对马奈同名经典的反复演绎，呈现毕加索如何在20世纪50年代重新回到艺术史经典，与马奈展开跨越时空的对话。他围绕同一主题创作了大量绘画、素描与版画，通过姿态、构图与场景的调整解构视觉结构。该系列作品的规模之庞大，在毕加索与艺术史传统的正面对话中占据独特地位。展柜中陈列的纸板雕塑《草地上的午餐：撑肘而坐的男子》，以轻松即兴的拼贴手法，重构了画中的经典人物。陶瓷作品如《饰有大胡子农牧神头像的长盘》（1948），则呈现毕加索在瓦洛里斯时期的另一类实验。他以传统器形为基础，通过塑形、绘制与变形，使盘、壶、砖块转化为动物或神祇的面孔。这些创作不仅显示了艺术家在陶艺领域的灵活和幽默，更反映其对材料和形式的不断拓展，这些探索也反哺了他同期的绘画与雕塑实践。
此外，展览还包括“玩转时尚的艺术鬼才”“集合与拼贴”“古典主义画家”“战争期间”“海魂衫”“晚期创作：1969—1972年”“展览中的毕加索”等展厅，进一步延展艺术家的主题探索，使观众得以从多维度理解毕加索在材料、手法、题材与风格上的持续拓展。整体展览共同勾勒出毕加索作品在国际艺术史中的重要位置，以及其跨越时空、持续影响当代视觉文化的深刻力量；在今日文化景观不断变动的背景下，他的艺术仍保持清晰的轮廓与穿透力。
跨界视角下的共同语言
“策展过程中，我意识到毕加索非常乐于从不同事物处汲取灵感。这种创作的开放性，我十分欣赏。我一向喜欢从出人意料的角度汲取灵感，能够以一种不同寻常的方式呈现毕加索，并鼓励观众换一个眼光去看待他的作品，对我而言是一种莫大的荣幸。我很期待看到这个展览在世界各地观众面前呈现时的发展，以及人们的反应如何随之变化。”作为本次展览的艺术总监，保罗·史密斯并非以艺术史学家的身份介入，而是以设计师的直觉、时尚的敏感和生活家的好奇心，为毕加索的作品注入当代气息。这种以个人感知与生活经验为出发点的呈现方式，与毕加索终其一生从日常物件汲取灵感、将平凡转化为艺术符号的创作路径不谋而合。
“我发现，通常而言，毕加索的作品被挂在墙上时，周围大多没有其他元素，我明白，这是一种相当传统的展陈方式。我则希望采用一种不那么常规的呈现方式。我们力图打造一种更加侧重视觉感受的观展体验，希望这种方式既能打动年轻人，也能让初识这位大师的观众有所共鸣。这种思路更加即兴，更强调直觉。”在展陈设计上，保罗摒弃了传统做法，转而营造充盈而富有戏剧性的氛围。自1970年开设首间店铺以来，保罗以持续不断的创意活力与大胆运用色彩和条纹闻名全球。在本次展览中，他凭借敏锐的视觉直觉与幽默感，重新诠释毕加索的多重身份与创作可能，使公众得以从新的视角接近这位革新者：既是一位改写传统的艺术家，也是一位在色彩与形式中不断实验、充满游戏精神的创造者。
上图：毕加索作品中的线条与保罗标志性的彩色条纹叠加,形成图案与图案的互动。
正如保罗所说的那样：“在巴黎，我们既享受那座古老而极具魅力的建筑，又必须应对它带来的挑战——众多形态各异的展厅，让展陈本身复杂而丰富。而在浦东美术馆，我们面对的是截然不同的现代空间，需要用完全不同的方式去激活它。所以，此次展览必然会呈现新的面貌，但依然保留巴黎版本的许多核心元素。”在浦东美术馆，展墙本身成为跨界对话的载体：在“古典主义画家”主题空间中，素描作品密集悬挂，灵感来自巴黎沙龙的经典陈列，同时呼应保罗店铺中的“艺术墙”理念，实现传统与现代的平行对话；在“条纹”主题空间，毕加索作品中的线条与保罗标志性的彩色条纹叠加，形成图案与图案的互动；部分展厅则借鉴巴黎街头的“城市牛皮癣”手法，贴满毕加索历史展览海报，以直白的重复制造视觉冲击。这些设计不仅融合了两位艺术家的视觉元素，更让观展体验本身成为一场沉浸式、充满节奏与情感的视觉旅程。对此，保罗自信满满：“我对这间展厅颇为得意，而且我相信，如果毕加索还活着，那他或许也会注意到：以如此直白的方式将一幅图像重复贴满整个墙面，会产生怎样的视觉冲击力，我认为他应该会欣赏这种做法，毕竟他是一个充满好奇心的人。”
在保罗看来，展览空间本身即是一件“作品”，作为极具吸引力的打卡现场，让观众在直观愉悦中感受两位创造者共通的精神，使“超越日常、打破边界”成为毕加索在当代语境中的鲜活回响。“此次展览是由一个既不精通艺术也未研究过毕加索的人策划的，策展方式天真烂漫，我希望它能够给人带来耳目一新的感觉。重点在于，即便你不是专业人士或者平时很少逛美术馆，也能从中获得乐趣，喜爱上这位艺术家的作品。”他希望打造一种更强调视觉感受与直觉接受的观展方式，使年轻观众与初识毕加索的公众都能在色彩、乐观精神与横向思维中获得启发。
“非常毕加索：保罗·史密斯的新视角”不仅呈现一位艺术巨匠跨越半个世纪的创造轨迹，更向公众展示经典如何在当代重新被理解、阅读与生成。在浦东美术馆，这场跨越时间与领域的对话，为城市文化带来新的观看方式。
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